Richmond Art Center Richmond Art Center

Faces of Richmond

Paintings of people who live and work in our community

This pop-up exhibition brings together the artists of the Richmond Senior Center with “every day” people who live or work in our city. Using a variety of media including watercolor, oil, graphite and pastel, the artists have created sensitive portraits of a diversity of people who generously modeled for the class.

Image: Johanna Denzinger, Maria, 2018. Courtesy of the Artist

The 23rd Annual Art of Living Black

Exhibition: January 15 – March 8, 2019
Open Studios: Saturday and Sunday, February 23 & 24 and March 2 & 3, 10:00 am – 6:00 pm The Art of Living Black Open Studios Guide PDF
Satellite Exhibitions: Throughout January, February and March. Details are published on The Art of Living Black’s Facebook events page and in the Open Studios Guide
Spotlight Artist Talk: Saturday, February 2, 12:30 pm – 2:00 pm, More info…
Reception: Saturday, February 2, 2:00 pm – 5:00 pm, More info…
In Conversation: Joyce Gordon and Christine Harris: Saturday, February 9, 12:00 pm – 1:30 pm, More info…
Closing Party: Friday, March 8, 3 pm – 5 pm, More info…

Co-founded by the late Jan Hart-Schuyers and the late Rae Louise Hayward, The Art of Living Black is the longest running event of its kind in the Bay Area to feature artists of African descent. The 23rd Art of Living Black presents an exhibition of over 100 works at the Richmond Art Center, as well as Open Studios and Satellite Exhibitions at locations across the Bay Area.

The 23rd Annual Art of Living Black is organized by TAOLB Steering Committee in partnership with the Richmond Art Center. The Art Of Living Black Steering Committee is a dedicated group of established Bay Area artists touched by the vision of Jan Hart-Shuyers and Rae Louise Hayward. The group’s mission is to preserve and expand the vision of their beloved founders by supporting emerging, mid-career and established artists of African descent.

Jan Hart-Schuyers Creative Merit Awardees: Stephanie Thames, Tomyé, and Karin Turner.

Participating Artists: Juliette Acker, KaliMa Amilak, Ester Armstrong, Randy Babb, Latisha Baker, Janet Barnes, Derrick Bell, Rodney Bell, Charles Blackwell, Lorraine Bonner, Zoë Boston, Donna Mekeda Bradley, Valerie Brown-Troutt, Marguerite Browne, Stephen Bruce, Jason BYrd, Larry Byrd, Ronald Calime, Aaron Carter, Claude Clark, Tiffany Conway, Zwanda Cook, Nia Crater, Lorenzo Crockett, Kelvin Curry, Angela Dalke, Bill A. Dallas, Jim Dennis, Pete Dent, Gene Dominique, Double R, Angela Douglas, Anna W. Edwards, Jimi Evins, Omilade Fayomi, Thomasina Ferguson-Howard, Vaughn Filmore, Anjuelle Floyd, Naomi Floyd, Donna Gatson, David Graves, Renata Gray, Donald Greene, Kawana Hampton, Chuck Harlins, Jan Hart-Schuyers, Idris Hassan, Rae Louise Hayward, Raymond Haywood, Raymond Holbert, Yolanda Holley, Steve Hurst, Pam Jackson, Kimberly Johnson, Will Johnson, Woody Johnson, Virginia Jourdan, Justice 4 Tyranny, Val Kai, Jessica Keener, Leon Kennedy, Therese Key, Brian King, James Knox, Rasheid Lattimore, Dulama LeGrande, Jennifer A. Lockette, Brenda Macauley, Taylor Made, Alix J. Magloire, Ajuan Mance, Genesse McGaugh, Susan McGuire, Sonjhai Meggette, Brianna Mills, Abi Mustapha, Rostum Nosa Okungbowa, Elmarise Owens, Karen Oyekanmi, Patricia Patterson, Yolanda Patton, Patricia Perry-McGee, Margrett & Raife Pickett, Damon Powell, Leslie Printis, Fadhili Rauf, Kumi Rauf, Gwendolyn Reed, Marva Reed, Justice Renaissance, Julee Richardson, Hilda Robinson, Dawn Rudd, Wanda Sabir, Jabali Sawicki, Malik Seneferu,  Shanju, Sean Shelly, James Shorter, Angela Simms, Bertrell Smith, Mark Sublett, Nichole Talbott, Thomas Tandy, Stephanie Thames, Mildred Thompson, Tomyé, Charles Tuggle, Karin Turner – karinsArt, Orlonda Uffre, Xan Walker, Jennifer Ward, Daniel White, Chance Garrick Williams, Nedra Williams, Danielle Wright, TheArthur Wright, Hawa Zabel, Nigel Ziyad

Image: Rae Louise Hayward, Three Women, date unknown

El 23° y Anual Art of Living Black

 

Exposición: 15 de enero – 8 de marzo de 2019.
Visita a los Estudios: sábado y domingo, 23 y 24 de febrero y 2 y 3 de marzo, de 10:00 a.m. a 6:00 p.m.
Exposiciones Satelitales: A lo largo de enero, febrero y marzo. Los detalles se publicarán en la página web The Art of Living Black y en la Guía de Visita a los Estudios.
Charla de Artistas Destacados: sábado 2 de febrero, de 12:30 a.m. a 2:00 p.m.
Recepción: sábado 2 de febrero, de 2:00 pm a 5:00 pm
Charla de Oradores Destacados: Joyce Gordon y Christine Harris: sábado 9 de febrero, de 12:00 a.m. a 1:30 p.m.

 

Cofundado por Jan Hart-Schuyers y Rae Louise Hayward, The Art of Living Black es el evento de su tipo de más larga duración en el Área de la Bahía que presenta artistas de ascendencia africana es una exposición colectiva sin jurado que presenta obras de artistas afrodescendientes. La exposición se lleva a cabo en el Richmond Art Center y está acompañada por una Visita Autoguiada a los Estudios (Open Studios) y por Satellite Exhibitions.

 

El 23° y Anual Art of Living Black es organizado por el Comité Directivo de TAOLB en colaboración con el Richmond Art Center. El Comité Directivo de Art Of Living Black es un grupo dedicado de artistas establecidos del Área de la Bahía tocados por la visión de los fundadores Jan Hart-Shuyers y Rae Louise Hayward. La misión del grupo es preservar y ampliar la visión de sus queridos fundadores apoyando a los artistas emergentes, de carrera media y establecidos de ascendencia africana.

 

Place as Landscape/Place as Concept: Contemporary Enameling in the U.S.

Free Exhibition Tours: Saturday, February 16, 11am and Saturday, March 2, 2pm

Featuring work by both established and emerging enamelists, Place as Landscape/Place as Concept brings together enamel arts that explore place from an American perspective. In the United States, where the sheer size of the country has created an incredible diversity, concepts of place are intimately connected to identity and culture. The works in this exhibition use a range of traditional and experimental enameling techniques to explore place not just as scenery but as a way of understanding who we are. By turns complex, conflicted, melancholy, and beautiful, these images and objects show us our country as well as ourselves.

This exhibition expands upon the American showcase presented at BLAZE: International Contemporary Enamel Exhibition at the National Taiwan Craft Research and Development Institute in Taipei (2018).

Featured Artists: Ken Bova, Harlan Butt, Katy Cassell, Kat Cole, Helen Elliott, Danielle Embry, Greg Flint, Kristina Glick, Gretchen Goss, Janly Jaggard, Sarah Loch-Test, Sharon Massey, Cynthia Miller, Pat Musick, Gail Reid, Rene Roberts, Averill Shepps, Jan Smith, Judy Stone, Don Viehman, Carly Wright

About the Center for Enamel Art: The Center for Enamel Art was founded in 2013 to preserve and promote the art of enameling, and to foster community among enamel artists and art-lovers alike. The Center exists in partnership with several other organizations to produce workshops, exhibitions, and other educational programs for and about enameling in the San Francisco/Bay Area and elsewhere in the U.S.

 

Enamel Art at the Richmond Art Center: Richmond Art Center is proud of its history promoting enamel as an art medium. We have taught enamel arts in our metals studio for over 50 years. Recent exhibitions presented at the Richmond Art Center to feature enamel art include: Alan Osborne – Expressionist Enamels (2009), Beyond Borders: Experimentation and Innovation in Enameling (2012), and California Now: Clay, Glass, and Enamel Art (2015). View our current studio catalog for information about enameling classes and workshops.

Image: Katy Cassell, Lost Sea, 2016, Enamel, copper, reflective glass beads, mounted to wood. Courtesy of the Artist

Lugar como Paisaje/Lugar como Concepto: Esmalte Contemporáneo en los Estados Unidos

Galería: Galería Sur
Fechas de Exhibición: 15 de enero – 8 de marzo de 2019.
Recepción: sábado 2 de febrero de 2019, de 2:00 a 5:00 pm
Artistas: Ken Bova, Harlan Butt, Katy Cassell, Kat Cole, Helen Elliott, Danielle Embry, Greg Flint, Kristina Glick, Gretchen Goss, Janly Jaggard, Sarah Loch-Test, Sharon Massey, Cynthia Miller, Pat Musick, Gail Reid, Rene Roberts, Averill Shepps, Jan Smith, Judy Stone, Don Viehman, Carly Wright

Con el trabajo de esmaltistas establecidos y emergentes, Lugar como Paisaje/Lugar como Concepto reúne artes del esmalte que exploran el lugar y el paisaje desde una perspectiva estadounidense. En los Estados Unidos, donde el tamaño del país ha creado una increíble diversidad de paisajes, los conceptos de lugar están íntimamente relacionados con la identidad y la cultura. Los trabajos en esta exposición utilizan una gama de técnicas de esmaltado tradicionales y experimentales para explorar el lugar no solo como escenario, sino también como una forma de entender quiénes somos. A la vez complejas, conflictivas, melancólicas y hermosas, estas imágenes y objetos nos muestran a nuestro país, así como a nosotros mismos.

Esta exposición amplía el escaparate estadounidense presentado en BLAZE: Exposición Internacional de Esmalte Contemporáneo en el Instituto Nacional de Investigación y Desarrollo de Artesanía de Taiwán en Taipei (2018).

Artistas destacados: Ken Bova, Harlan Butt, Katy Cassell, Kat Cole, Helen Elliott, Danielle Embry, Greg Flint, Kristina Glick, Gretchen Goss, Janly Jaggard, Sarah Loch-Test, Sharon Massey, Cynthia Miller, Pat Musick, Gail Reid, René Roberts, Averill Shepps, Jan Smith, Judy Stone, Don Viehman, Carly Wright

Acerca del Centro de Arte del Esmalte (Center for Enamel Art): El Centro de Arte del Esmalte se fundó en 2013 para preservar y promover el arte del esmalte y para fomentar la comunidad entre los artistas del esmalte y los amantes del arte. El Centro existe en asociación con varias otras organizaciones para producir talleres, exposiciones y otros programas educativos para y sobre el esmaltado en el Área de la Bahía de San Francisco y en otros lugares de los EE. UU.

Enamel Art en el Richmond Art Center: Richmond Art Center se enorgullece de su historia al promover el esmalte como medio artístico. Hemos enseñado artes del esmalte en nuestro estudio de metales durante más de 50 años. Las exposiciones recientes presentadas en el Richmond Art Center para presentar el arte del esmalte incluyen: Alan Osborne – Expressionist Enamels (2009), Beyond Borders: Experimentation and Innovation in Enameling (2012), y California Now: Clay, Glass y Enamel Art (2015). Vea nuestro catálogo actual de estudios para obtener información sobre clases y talleres de esmaltado.

Imagen: Katy Cassell, Lost Sea, 2016, Esmalte, cobre, cuentas de vidrio reflectante, montadas en madera. Cortesía del artista

Empowering Threads: Quilts from the Social Justice Sewing Academy

In August 2018 the Richmond Art Center and Social Justice Sewing Academy (SJSA) partnered to run a workshop at the Latina Center in Richmond, CA. Women from the Latina Center’s leadership program came together to learn how to visualize social justice issues to design fabric squares that express ideas relevant to themselves and their community. The multiple squares were then embroidered, pieced and sewn together to create a quilt that amplifies the impact and energy of the individual messages within it.

Empowering Threads brings together recent SJSA quilts made in workshops held across America, including quilts by women at the Latina Center and youth from Richmond High School.

About SJSA: The Social Justice Sewing Academy is an education program that utilizes textile art as a vehicle for personal transformation and community activism. Founded in 2016, SJSA has run workshops with high school students, Boys and Girls Clubs and community groups in Chicago, San Francisco, Oakland, Richmond, Los Angeles, Rhode Island and Cambridge.
www.sjsacademy.com

Image: Laura Madriz, My Blood is in the Soil, 2016

Hilos de Empoderamiento: Colchas de la Academia de Costura de Justicia Social

Galería: Galería de la Comunidad
Fechas de Exhibición: 15 de enero – 8 de marzo de 2019.
Recepción: sábado 2 de febrero de 2019, de 2:00 a 5:00 pm

Artistas: Artistas de la Academia de Costura de Justicia Social.

En agosto de 2018, el Richmond Art Center y la Academia de Costura de Justicia Social (Social Justice Sewing Academy, SJSA) se asociaron para dirigir un taller en el Latina Center en Richmond, California. Las mujeres del programa de liderazgo del Latina Center se reunieron para aprender a visualizar problemas de justicia social para diseñar cuadrados de tela que expresen ideas relevantes para ellas y para su comunidad. Luego, los cuadrados múltiples fueron bordados, ensamblados y cosidos para crear una colcha que amplifica el impacto y la energía de los mensajes individuales que contiene.

Hilos de Empoderamiento  reunirá las recientes colchas de SJSA hechas en talleres realizados en todo el país, incluidas las colchas de mujeres del Latina Center y los jóvenes de la Escuela Secundaria de Richmond.

Acerca de SJSA: La Academia de Costura de Justicia Social es un programa educativo que utiliza el arte textil como un vehículo para la transformación personal y el activismo comunitario. Fundada en 2016, SJSA ha realizado talleres con estudiantes de secundaria, clubes de niños y niñas y grupos comunitarios en Chicago, San Francisco, Oakland, Richmond, Los Ángeles, Rhode Island y Cambridge.

Keep Families Together Mural

How do we define borders? How do borders show up in our lives? What does it mean to move freely and to cross borders freely? How can one take a structure that’s made to separate and use it to unify people?

The Keep Families Together Mural is a project by young people from RYSE Youth Center, presented in partnership with the Richmond Art Center. Walls are erected to segregate and enact power, however the artists of this evolving project examine the more complex meanings of walls in their own lives.

The Keep Families Together Mural will begin the Richmond Art Center’s fall exhibition season as a ‘blank’ wall and then emerge as an artwork over the next three months. The general public are invited to contribute their own reflections to the wall at a community event on Saturday, October 20, 12-4pm. A mural unveiling party will be held on Friday, November 16, 4-6pm.

Family Day / Community Mural Event: Saturday, October 20, 2018, 12-4pm
Wall Completion Party Event: Friday, November 16, 2018, 4-6pm

About RYSE Youth Center: RYSE creates safe spaces, grounded in social justice, that build youth power for young people to love, learn, educate, heal, and transform lives and communities. www.rysecenter.org

Image: RYSE Center Mural @ RYSE Youth Center, Dan Reilly (photographer), April 2017

RYSE x RAC Mural Comunitario

Fechas de la Exposición: 11 de septiembre – 16 de noviembre de 2018
Inauguración: sábado, 8 de septiembre, de 5:00 a 7:00 p.m.

¿Cómo definimos fronteras? ¿Cómo las fronteras aparecen en nuestras vidas? ¿Qué significa moverse libremente y cruzar fronteras libremente? ¿Cómo se puede tomar una estructura hecha para separarla y usarla para unificar personas?

El Mural Comunitario es un proyecto de jóvenes del Centro Juvenil RYSE, presentado en asociación con el Richmond Art Center. Las paredes se erigen para segregar y representar el poder, sin embargo, los artistas de este proyecto en evolución examinan los significados más complejos de las paredes en sus propias vidas.

El Mural Comunitario iniciará la temporada de exposiciones de otoño del Richmond Art Center como una pared ‘en blanco’ y luego emergerá como una obra de arte en los próximos tres meses. El público en general está invitado a contribuir con sus propias reflexiones al muro en un evento comunitario el sábado 20 de octubre, de 12:00 a 4:00 p.m. El viernes 16 de noviembre tendremos una fiesta de exhibición y desinstalación del mural.

El Día de Familia / Evento del Mural Comunitario: sábado, 20 de octubre de 2018, de 12 a 4 pm.
Evento de Finalización / Desinstalación del Mural: viernes, 16 de noviembre de 2018, de 4 a 6 pm.

Acerca de RYSE Youth Center: RYSE crea espacios seguros, basados ​​en la justicia social, que crean el poder de la juventud para que los jóvenes amen, aprendan, eduquen, sanen y transformen vidas y comunidades. www.rysecenter.org

Imagen: Centro juvenil RYSE Center Mural @ RYSE, Dan Reilly (fotógrafo), abril de 2017

What Knot?

Presented by the Richmond Art Center in partnership with the Northern California Surface Design Association, What Knot? features contemporary art by Californian artists working with fiber and textile construction techniques, and offering new twists on traditional processes, materials and concepts. The exhibition is juried by Camille Ann Brewer, Curator of Contemporary Art at The George Washington University Museum and The Textile Museum, D.C.

About the Juror: Camille Ann Brewer joined The George Washington University Museum and The Textile Museum as its first full-time curator of contemporary art in October 2016. This new curatorial position is supported by a five-and-a-half year grant from the Andrew W. Mellon Foundation to advance the museum’s contemporary art initiative. Since joining GWU, she has been the coordinating curator for three exhibitions at the museum: Ebony: Fifty Years of Ebony Fashion Fair (2017), Scraps: Fashion, Textiles, and Creative Reuse (2017), and The Box Project: Uncommon Threads (2017). Camille comes to the museum from the University of Chicago, where she served as executive director of the Black Metropolis Research Consortium. She formerly served as an assistant curator at the Detroit Institute of Arts and as an art consultant and curator for her own company, CAB Fine Art, building collections and organizing exhibitions for public museums, corporations, and private collectors. A former East Bay resident, Brewer was the Artist-in-Residence at the Richmond Art Center in the late 1980s.

About the Northern California Surface Design Association: The Surface Design Association was founded in 1977 to promote awareness and appreciation of textile-inspired art and design through member-supported benefits including publications, exhibitions and conferences. With the Surface Design journal, awards for student excellence, member grants, a biannual conference, and networking opportunities, SDA seeks to encourage innovation and advocate for artistic excellence as the global leader in textile-inspired art and design. Northern California SDA, one of numerous regional groups, connects to its local community with newsletters, meetings featuring nationally acclaimed speakers, workshops, and juried exhibitions.

Image: Danielle Wright, U Cant Touch This, 2016. Courtesy of the Artist.

¿Qué nudo?

Galería: West Gallery
Fechas de la Exposición: 11 de septiembre – 16 de noviembre de 2018
Inauguración: sábado, 8 de septiembre, de 5:00 a 7:00 p.m.

Artistas: Marie Bergstedt, George-Ann Bowers, Cheryl Coon, Deborah Corsini, Julia Couzens, Rachel Beth Egenhoefer, Richard Elliott, Julie Garner, Polly Jacobs Giacchina, Lori Goldman, Laura Kamian McDermott, Lisa Klofkorn, Teddy Milder, Sabine Reckewell, Mary Catherine Richardson, Barbara Shapiro, Stacy Speyer, Ruth Tabancay, Phyllis Thelen, Chris Triplett, Holly Wong, Nanette Wood, Melissa Woodburn, Danielle Wright

Presentado por el Richmond Art Center en asociación con la Asociación de Diseño de Superficies del Norte de California, ¿Qué nudo? presenta arte contemporáneo de artistas californianos que trabajan con técnicas de construcción de fibras y textiles, y ofrece novedades en los procesos, materiales y conceptos tradicionales. La exposición fue jurada por Camille Ann Brewer, curadora de arte contemporáneo en el Museo de la Universidad George Washington y The Textile Museum, D.C.

Acerca del Jurado: Camille Ann Brewer se unió al Museo de la Universidad George Washington y al Museo Textil como su primer comisario de arte contemporáneo a tiempo completo en octubre de 2016. Esta nueva posición curatorial está respaldada por una subvención de cinco años y medio del Fundación Andrew W. Mellon para avanzar en la iniciativa de arte contemporáneo del museo. Desde que se unió a GWU, ha sido curadora coordinadora de tres exposiciones en el museo: Ebony: Fifty Years of Ebony Fashion Fair (2017), Scraps: Fashion, Textiles y Creative Reuse (2017) y The Box Project: Uncommon Threads ( 2017). Camille llega al museo de la Universidad de Chicago, donde se desempeñó como directora ejecutiva del Black Metropolis Research Consortium. Anteriormente se desempeñó como curadora asistente en el Instituto de Artes de Detroit y como consultora de arte y curadora de su propia compañía, CAB Fine Art, construyendo colecciones y organizando exposiciones para museos públicos, corporaciones y coleccionistas privados. Un antiguo residente de East Bay, Brewer fue el artista en residencia en el Richmond Art Centre a finales de 1980.

Acerca de la Asociación de Diseño de Superficies del Norte de California: la Surface Design Association se fundó en 1977 para promover el conocimiento y la apreciación del arte y el diseño inspirados en los textiles a través de beneficios respaldados por los miembros que incluyen publicaciones, exposiciones y conferencias. Con la Revista Surface Design, premios a la excelencia estudiantil, becas para miembros, una conferencia bianual y oportunidades de networking, SDA busca alentar la innovación y abogar por la excelencia artística como el líder mundial en arte y diseño inspirados en textiles. El SDA del Norte de California, uno de los numerosos grupos regionales, se conecta con su comunidad local con boletines informativos, reuniones con oradores aclamados a nivel nacional, talleres y exhibiciones con jurado.

Imagen: Danielle Wright, U Can‘t Touch This (No Puedes Tocar Esto), 2016. Cortesía del Artista.

Lia Cook: Inner Traces

Inner Traces will present recent jacquard loom pieces by Lia Cook. Cook is an established Bay Area artist who combines weaving with self-portraiture, photography, digital technology and neuroscience. Most of the work in the exhibition has not been shown in California before. Guest Curator: Inez Brooks-Myers

Image: Lia Cook, Revisioned, 2018. Courtesy of the Artist and Seager Gray Gallery

Lia Cook: Rastros Internos

Galería: Galería Sur
Fechas de la Exposición: 11 de septiembre – 16 de noviembre de 2018
Inauguración: sábado, 8 de septiembre, de 5:00 a 7:00 p.m.
Artista: Lia Cook

Rastros Internos presenta piezas recientes de telar jacquard de Lia Cook. Cook es un artista establecida en El Área de la Bahía que combina el tejido con el autorretrato, la fotografía, la tecnología digital y la neurociencia. La mayor parte del trabajo en la exhibición no se ha mostrado en California antes. Curadora invitada: Inez Brooks-Myers

Imagen: Lia Cook, revisada, 2018. Cortesía del artista y Seager Gray Gallery

Califas

Califas: Art of the US-Mexico Borderlands

Exhibition Dates: September 11 – November 16, 2018
Reception: Saturday, September 8, 5-7pm
The Artists of Califas: A Special Presentation and Performance: September 19, 6:30-8:30pm
What is Border Art? Panel Discussion: November 3, 11:00am-12:30pm

Exhibition Catalogue PDF

Califas: Art of the US-Mexico Borderlands / El Arte de la Zona Fronteriza México-Estados Unidos explores representations of the US-Mexico ‘borderlands’ in contemporary art, with a special emphasis on the Bay Area.

This exhibition comes at a moment when the current nationwide immigration crisis has once again focused attention on the border between Mexico and the United States. Californian communities, activists, politicians, and artists have been especially vocal in this crisis.

Featuring works by 21 contemporary artists and collaborative groups, Califas explores the origins of migrant memory, the consequences of boundary line fortifications, the mixing of border cultures, responses to injustice and inequality, and solutions to advance the borderlands and its peoples.

The exhibition adopts a unique lens to re-examine the past, grapple with understanding the present, and connect with the future of a distinct cross-border culture. The name Califas is commonly used to refer to California by Chicanos wishing to emphasize the deep histories, memories, and identities that existed in the state long before the international boundary was created in 1848. Adapted for use in this exhibition, Califas provides new ways of seeing California and Baja California – as borderlands before walls, when people understood the border as a connecting tissue not a line of separation.

Featured Artists: AGENCY (Ersela Kripa & Stephen Mueller), Chester Arnold, Jesus Barraza, Enrique Chagoya, CRO studio (Adriana Cuellar & Marcel Sánchez), Ana Teresa Fernández, Nathan Friedman, Guillermo Galindo, Rebeca García-González, Andrea Carrillo Iglesias, Amalia Mesa-Bains, Richard Misrach, Alejandro Luperca Morales, Julio César Morales, Postcommodity, Rael San Fratello (Ronald Rael & Virginia San Fratello), Fernando Reyes, Favianna Rodriguez, Stephanie Syjuco, David Taylor, Judi Werthein, Rio Yañez

Califas is guest co-curated by UC Berkeley professors Michael Dear, author of Why Walls Won’t Work, and Ronald Rael, author of Borderwall as Architecture: A Manifesto for the U.S.-Mexico Boundary.

The exhibition is made possible with support from the Zellerbach Family Foundation, Susan Chamberlin, Matt and Margaret Jacobson, and anonymous donors.

Image: Julio César Morales, Day Dreaming Series (detail), 2018. Courtesy of the Artist and Gallery Wendi Norris, San Francisco

Califas: el Arte de la Zona Fronteriza México-Estados Unidos

Catálogo de la exposición PDF

Galería: Galería Principal y Galería Oeste
Fechas de la Exposición: 11 de septiembre – 16 de noviembre de 2018
Inauguración: sábado, 8 de septiembre, de 5:00 a 7:00 p.m.

Califas: el Arte de la Zona Fronteriza de México-Estados Unidos explora las representaciones de las “zonas fronterizas” de México y Estados Unidos en el arte contemporáneo, con un énfasis especial en El Área de la Bahía.

Esta exposición se produce en un momento en que la actual crisis de inmigración nacional ha vuelto a centrar la atención en la frontera entre México y los Estados Unidos. Las comunidades, los activistas, los políticos y los artistas de California han sido especialmente activos en esta crisis.

Con obras de 21 artistas contemporáneos y grupos colaborativos, Califas explora los orígenes de la memoria migratoria, las consecuencias de las fortificaciones fronterizas, la mezcla de culturas fronterizas, las respuestas a la injusticia y la desigualdad, y las soluciones para avanzar en las fronteras y sus pueblos.

La exhibición adopta una lente única para reexaminar el pasado, lidiar con la comprensión del presente y conectarse con el futuro de una cultura transfronteriza diferente. El nombre Califas se usa comúnmente para referirse a California por los Chicanos que desean enfatizar las profundas historias, memorias e identidades que existían en el estado mucho antes de que se creara el límite internacional en 1848. Adaptado para su uso en esta exposición, Califas ofrece nuevas formas de ver a California y Baja California, como fronteras antes que los muros existieran, cuando la gente entendía el límite como un tejido que conecta, no como una línea de separación.

Artistas destacados: AGENCIA (Ersela Kripa y Stephen Mueller), Chester Arnold, Jesús Barraza, Enrique Chagoya, estudio CRO (Adriana Cuellar y Marcel Sánchez), Ana Teresa Fernández, Nathan Friedman, Guillermo Galindo, Rebeca García-González, Amalia Mesa-Bains , Richard Misrach, Alejandro ‘Luperca’ Morales, Julio César Morales, Postcommodity, Rael San Fratello, Fernando Reyes, Favianna Rodríguez, Stephanie Syjuco, David Taylor, Judi Werthein, Rio Yañez

Califas es comisariada por los profesores de UC Berkeley Michael Dear, autor de Why Walls Won’t Work (Por Qué los Muros No Funcionarán), y Ronald Rael, autor de Borderwall as Architecture: A Manifesto for the US-Mexico Boundary (Muro Fronterizo como Arquitectura: un Manifiesto para el Límite Entre Estados Unidos y México).

La exposición es posible gracias al apoyo de la Fundación de la Familia Zellerbach, Susan Chamberlin, Matt y Margaret Jacobson, y donadores anónimos.

Imagen: Julio César Morales, Day Dreaming Series (detalle), 2018. Cortesía del artista y la galería Wendi Norris, San Francisco

Strange Forest

Strange Forest presents contemporary drawings devoted to abstract and surreal dimensions of the natural world. Utilizing techniques of botanical and scientific illustration, six Bay Area artists – Leo Bersamina, John Casey, Masako Miki, Nora Pauwels, Lela Shields and Elizabeth Sims – take on the role of experimental naturalists. Through processes such as painstaking delineation, classification, and focus on the lifecycle, the artists express a deep respect for the flora and fauna of our planet, while at the same time reimagining it.

Looking for encounters that move her, Elizabeth Sims starts with a close observation of nature – a Bristlecone pine and a piece of obsidian – to create large scale drawings that are part realism, part invention. The titles of her work reference artists and fictional characters who have disappeared into the wilderness.

Using an unlikely mix of sea salt, quartz and glitter, Lela Shields creates surfaces on which to depict detailed botanical scenes using gouache, pencil and gold leaf. The uneven and unstable base for the imagery prevents Shields from working perfectly, and represents a kind of metamorphosis as the fragile work is always susceptible to change.

Nora Pauwels’ work focuses on the flora that spreads unchecked around her semi-industrial Emeryville neighborhood. It does not matter what the species of plant is – Pauwels often gathers weeds – rather the leaves, flowers and twigs are collected for their aesthetic subtleties and as markers of the places they determinedly grow.

Inspired by Shinto traditions, Masako Miki’s animals and abstracted scenes represent a space in-between the material and spiritual worlds. Using a palette of primarily blue and white, these colors can be interpreted as symbolic of the known and unknown.

Flowers are a metaphor for growth in John Casey’s drawings. On the surface they represent beauty, love and purity. Yet when the flower becomes an appendage growing from one of Casey’s creatures it takes on darker meanings; beauty through unnatural mutation, as well as the ability to persist and thrive in spite of a cancer-like growth.

Leo Bersamina studies nature for its patterns and textures. These elements are simplified and somewhat abstracted in his work, yet at the same time amplified. River rocks become repeating ovals of negative space on a field of black charcoal, the layered forms cannily mimic the rippling of shadows underwater.

Delineating a rock, a weed, a feather; the artists in Strange Forest share an affinity for the natural world. Taking a microscope to nature, their chosen subjects become microcosms for exploring the state of the earth and our place within it.


Extraño Bosque

Extraño Bosque presenta dibujos contemporáneos dedicados a dimensiones abstractas y surrealistas del mundo natural. Utilizando técnicas de ilustraciones científicas y de botánica, seis artistas de la Bay Area (Leo Bersamina, John Casey, Masako Miki, Nora Pauwels, Lela Shields y Elizabeth Sims) asumen el papel de naturalistas experimentales. A través de procesos tales como delineación minuciosa, clasificación y enfoque en el ciclo de la vida, los artistas expresan un profundo respeto por la flora y la fauna de nuestro planeta, mientras que al mismo tiempo lo reinventan.

Buscando encuentros que la emocionen, Elizabeth Sims empieza con una observación cercana de la naturaleza, un pino Bristlecone y un pedazo de obsidiana, para crear dibujos a gran escala que son parte real y parte invención. Los títulos de su obra hacen referencia a artistas y personajes de ficción que han desaparecido en el desierto.

Usando una mezcla poco común de sal marina, cuarzo y purpurina, Lela Shields crea superficies en las que se representan escenas botánicas detalladas con gouache, lápiz y pan de oro. La base desigual e inestable de las imágenes impide que Shields funcione a la perfección, y representa una especie de metamorfosis ya que el trabajo frágil está siempre susceptible de cambio.

El trabajo de Nora Pauwels se centra en la flora que se extiende sin control alrededor de su barrio semi-industrial de Emeryville. No importa cuál sea la especie de planta – Pauwels frecuentemente recolecta malas hierbas – hojas, flores y ramas también son recolectadas debido a su sutileza estética y también porque son demarcadores de los lugares que ellas están determinadas a crecer.

Inspirados en las tradiciones sintoístas, los animales y las escenas abstractas de Masako Miki representan un espacio intermedio entre el mundo material y el espiritual. Utilizando una paleta de colores enfocada en azul y blanco, estos colores se pueden interpretar como símbolos de lo conocido y lo desconocido.

Las flores son una metáfora del crecimiento en los dibujos de John Casey. En la superficie, representan la belleza, el amor y la pureza. Sin embargo, cuando la flor se convierte en una adición que crece de una de las criaturas de Casey, se adquiere significados más oscuros; belleza a través de una mutación antinatural, así como la capacidad de persistir y prosperar a pesar de un crecimiento similar al cáncer.

Leo Bersamina estudia la naturaleza por sus patrones y texturas. Estos elementos son simplificados y algo abstraídos en su trabajo, pero al mismo tiempo amplificados. Las rocas de los ríos se convierten en óvalos repetitivos de espacio negativo en un campo de carbón negro, las formas estratificadas pueden imitar el ondulado de las sombras bajo el agua.

Delineando una roca, una hierba, una pluma; los artistas de Extraño Bosque comparten una afinidad por el mundo natural. Tomando un microscopio para mirar la naturaleza, sus temas elegidos se convierten en microcosmos para explorar el estado de la tierra y nuestro lugar dentro de ella.


Image: Lela Shields, Horsetail, 2017

Small Works

Small Works: Selections by Phil Linhares features original small works of art (up to 14 inches) by California artists, representing a wide range of media, artistic styles and topics. Total cash awards of $1,000.

Juror’s Statement:

“As juror for the Small Works exhibition I was very pleased by the quality of the work submitted.  Approximately 60 works were ultimately selected, the number limited by the available gallery space; more works could have easily qualified otherwise.

Artists often ask exhibition jurors “What are you looking for?” as if the juror is seeking a particular form of expression to make a larger point. My response would be “looking for very good work in any form”; the artworks here illustrate that view.

I want to thank all the artists who submitted work for consideration, and also thank the staff of the Richmond Art Center for their gracious cooperation on every phase of the exhibition.”

Phil Linhares
Small Works Juror

You can read an interview with Phil Linhares here.

About the Juror: Former Chief Curator of the Oakland Museum of California, Philip Linhares has organized numerous exhibitions on contemporary art, including solo exhibitions of the work of Leon Golub, Joan Brown, Jim Nutt, Bruce Nauman, and Ruth Asawa. In the Oakland Museum of California’s recent gallery transformation and reinstallation, Linhares directed the installation on Folk Art and Counter Culture including works by Peter Mason Bond and Martin Ramirez (Folk Art) and Wally Hedrick, Jay DeFeo and Bruce Conner (Counter Culture).

Image:

Gina Golledge, Visceral Motion, 2017, linen, upcycled wool, silk, and cotton, silk and wool thread

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2540 Barrett Avenue
Richmond, California 94804
510.620.6772

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Closed Sundays and Mondays & Major Holidays.

Gallery admission is free.